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Entrevista a ROCKOSSA FESTIVAL

“El éxito se obtiene siendo un festival humilde y agradecido, subir un escalón de éxito y tres de humildad”

Una de las cosas maravillosas que nos regalan los festivales es, encontrarnos pequeños tesoros en forma de personas a lo largo de nuestros viajes. El Viñarock pasado fue así, y muestra de ello  es que conocimos a una mujer con carácter, guerrera  y con la actitud por bandera. La conocimos en uno de esos descansos tras una lluvia infernal, y fue uno de los mejores tesoros que nos pudimos llevar. Argelia es valenciana, pero por sus venas y corazón late sangre manchega.

¿Cómo surgió el ROCKOSSA FESTIVAL?

“El RockOssa Festival nace para posicionar a Ossa de Montiel y el Parque Natural Lagunas de Ruidera como destino turístico a escala nacional con el festival como una de las principales atracciones.

Desde hace ya muchos años, con el tema de la señalización de las Lagunas de Ruidera, nuestro pueblo se quedó fuera de esa señalización en carretera, dejando el municipio totalmente aislado. A Ramón, co-director del festival junto con Valentín, se le ocurrió que podríamos organizar algún concierto para promover el turismo e inyectar vida y música a Ossa de Montiel. Así fue como entre los dos, y un grupo de amigxs con ganas de crear, nos pusimos manos a la obra… ¡RockOssa Festival nace con muchísimo esfuerzo, trabajo, lucha e ilusión!”

Fotografía by La Mancha Rock

En poco tiempo se ha convertido en un Festival de referencia en Castilla La Mancha, ¿qué habéis hecho para que guste tanto y cada edición sume más éxitos?

“¿Ah si? ¿Ya somos referencia? (risas). Me gusta escuchar esto que dices, porque el esfuerzo que conlleva organizar un festival y ver qué año tras año va consolidándose a nivel nacional es lo que hace que continuemos. Intento crear un cartel con reclamo, donde existan estilos diferentes dentro de la música que nos gusta.

Este año me ha salido un cartel muy punk (risas). Habría que llamarle “PunkOssa”, pero igual el año que viene me sale algo más rockero, heavy o una mezcla… El éxito se obtiene siendo un festival humilde y agradecido, subir un escalón de éxito y tres de humildad, esa es mi filosofía, por lo tanto también la del festival. Hay que continuar con los pies en el suelo porque nunca se sabe lo que puede ocurrir.”

¿Qué tipo de público atrae este género de música y por tanto, cómo definiríais a vuestro público?

“Nuestro público es variado de edades, sobre todo el público de Ossa de Montiel, tenemos desde mayores, mamis y papis con sus hijos, y público joven en general, también tenemos público que viene de otras ciudades (como Madrid, Valencia, Murcia) y pueblos. Suele ser gente que va a festivales, aprovechando este motivo se quedan a pasar un fin de semana rural, disfrutan de nuestro pueblo y entorno. Tenemos gente que ha repetido en cada edición.”

¿Nos puedes hablar un poquito del diseño del Quijote de la nueva edición? Nos llama mucho la atención toda la simbología que tiene…

“Quisimos darle un giro a la imagen, el festival se va consolidando y queríamos darle un cambio, creo que lo hemos conseguido, nada tiene que ver con la imagen de las anteriores ediciones. Confiamos el diseño a Leviathan, un diseñador Valenciano que trabaja para festivales como el Azkena Rock y grupos como Los Zigarros. La simbología está clara, el Quijote es la insignia de La Mancha y del RockOssa Festival.

En la quinta edición (2018) habrá sorpresa con la imagen, lo iremos descubriendo a finales de año,  ¡va a estar llena de sorpresas!”

Además, muchos de vuestros seguidores quieren hacerse con una de vuestras camisetas. ¿Cómo surgió esta idea?

“Desde la primera edición teníamos claro que había que conseguir dinero para poder poder pagar el festival, una de las opciones era la venta de camisetas, nuestro Quijote transformado en uno de los actores de La Naranja Mecánica entró muy bien a la gente y empezamos a vender muchísimo, en las siguientes ediciones lo mismo, siempre un éxito, la verdad! Hemos llegado a enviar camisetas a Inglaterra, Suiza, Francia, Alemania y hasta Canadá, y por supuesto a casi toda España.

 Ahora nuestro Quijote ha cambiado a un viejo rockero y con esta nueva imagen lo estamos “petando” con la venta de camisetas. Se pueden comprar a través de nuestro Facebook, hacemos envíos a cualquier parte del mundo ;-) y también tenemos punto físico en  el pub Texas Saloon en Ossa de Montiel.”

 

¿Cómo ves el papel de la mujer en el mundo de la Música? Tanto en la industria, como en la limitación en los carteles de los Festivales…

Pues no lo veo nada equilibrado, pienso que la industria debería estar más equilibrada para que sea beneficioso para todos y todas. Hace poco leí  en un artículo que unos casi 50 festivales de música en todo el mundo ya se han comprometido que antes del 2022 aumentar la igualdad de género en sus carteles. Cada vez se denuncia más el sexismo en la industria de la música y en otros sectores, queda todavía mucho que luchar.

Hay muchísimas bandas femeninas o mixtas, artistas maravillosas y técnicas de iluminación y sonido, fotógrafas, prensa, y organizadoras de eventos. En ocasiones es duro ser mujer en este mundo porque hay hombres que no te tratan por igual y te hacen el camino más difícil, y en ocasiones el mérito obtenido se lo llevan ellos, es como si no aceptaran que una mujer pueda llevar a cabo un proyecto sea de la magnitud que sea.

Afortunadamente tengo una pareja que me apoya, camina a mi lado y yo al suyo, con él es todo facilidad, aunque tengamos diferencias a la hora de organizar el festival, pero siempre me deja ser yo.

En RockOssa Festival, en cada edición siempre tenemos presencia femenina (menos de que la que a mi me gustaría) y para la quinta edición todavía la va haber más, estoy trabajando y dando forma a un proyecto que saldrá a la luz en Septiembre. ¡Tengo muchísimas ideas y es hora de llevarlas a cabo!”

 

¿Crees que la música y el mundo de festivales/promotores es un mundo de tiburones competitivos despiadados? 

“Claramente hay una burbuja en el sector, el modelo de consumir música ha cambiado, se venden menos discos, los festivales se han convertido en la plataforma para los músicos y en los últimos años han aumentado el número de festivales y con ellos los cachés desorbitados de muchos grupos, que creo que hace daño al grupo emergente en cierto modo y a los festivales que queremos hacernos un hueco.

Hay festivales todos los meses, es una locura, porque finalmente el tiburón se termina comiendo al pez pequeño. Sólo espero que el RockOssa Festival pueda continuar creciendo, a ver qué pasa…”

 

¿Has dejado en el tintero algún grupo, porque no compartía la esencia de ROCKOSSA?

“Si, en todas las ediciones me pasa. No hago un cartel a mi gusto, hago un cartel para el público y no puedo fallar. Poco a poco iremos metiendo diferentes esencias, es cuestión de tiempo.”

 

¿Te has llevado decepciones con grupos musicales que al conocerlos personalmente no era lo que esperabas y no compartían la filosofía que ellos profesaban?

“Sí, solo uno, pero no voy a dar nombres, aquí no me puedo mojar, mejor me lo guardo para mi.”

¿Qué supone para vosotros este festival? ¿Cómo lo vivís?

“Nos supone un trabajo inmenso, días previos y el día del festival la familia RockOssa Festival se deja la piel, somos un gran equipo de chicas y chicos que cuidamos al máximo los detalles para que nada falle, me siento orgullosa de la labor que hace todo el equipo.”

¿Qué pensáis y sentís en los minutos previos que dé comienzo el Festival?

“Yo puedo hablar por mi, te puedo decir que no me da tiempo a pensar o sentir mucho, solo estoy centrada en mi trabajo para que todo salga bien, y que el resto del equipo de trabajo esté bien organizado. Una vez termina el festival, es un cúmulo de sensaciones y sentimientos que es difícil de explicar.”

Argelia Martínez Márquez, nuestra entrevistada y directora de Rockossa Festival

¿Qué opinas sobre la relación entre la música y digamos el tejido social político? Sobre cómo ves el tema de expresar tu ideología política y demanda social en la música que haces.

Estamos viviendo una época extraña a nivel social, la libertad de expresión brilla por su ausencia, juzgan y envían a la cárcel a quien quiere expresar su rabia con música o a través de un libro, dejan en libertad a quien nos roba, políticos corruptos, hija y yerno de Reyes eméritos… Ellos son los primeros que nos faltan al respeto, por eso la rabia y querer gritar lo sinvergüenzas que son, tenemos que cambiar lo que está pasando, en nuestra mano está, pero parece que la mayoría viven en un letargo, debemos despertar y defender nuestros derechos.”

¿Qué contagia Rockossa? A tu público, al mundo de la música en general…

“Contagia nuestro entorno, nuestro pueblo, la gastronomía, la gente… Los manchegos son muy buenos anfitriones y que el RockOssa Festival está hecho con mucho cariño y eso se nota.”

¿Cómo cómo definirías la música? 

“El violinista y director de orquesta, Yehudi Menuhin, dijo… “La música es verdaderamente la expresión de la vida y la humanidad hacia lo desconocido, la sublimación de todas esas emociones, buenas y malas, que de no ser por ella nos aprisionarían”

¿Qué es la música para ti?

“Sin la música no podría vivir, desde que tengo uso de razón está ahí, dentro de mi. Escuchar un blues, un buen rock and roll, a mis bandas favoritas, cómo The Doors, Black Sabbath, Misfits, Iron Maiden, y un largo etc…¡Podría pasarme horas hablando de música, porque la música es vida, es LIBERTAD!

Pasajero nos cuenta la fórmula de “Antídotos fugaces”

 

Pasajero regresa con Antídotos Fugaces, un disco grabado en el estudio “El Cariño” (Mozota, Zaragoza). Dando muestra de que más vale calidad que cantidad, tras sus anteriores discos Parque de Atracciones (2015) y Radiografías (2012), vuelven con una electrónica más presente pero siempre en forma de rock.

Daniel Arias (voz/bajo), Josechu Martín (batería), Eduardo Martín (guitarra) y Javier García (sintes), nos traen diez canciones que tratan de hacernos conscientes de lo que nos envenena en la actual sociedad, de lo que nos aleja entre nosotros y de las máscaras que muchas veces tratamos de ponernos.

Daniel nos cuenta la evolución y la madurez que han logrado con este último disco, letras más depuradas y directas que dan como resultado un disco más compacto.

¿Este último disco refleja algo de madurez? ¿Qué es para vosotros la madurez? Para saber qué es lo que estáis respondiendo…

“No sabemos muy bien qué es la madurez, imagino que crecer y afrontar las cosas desde la experiencia. Eso es lo que nosotros hacemos, utilizamos lo que hemos aprendido para hacer música.”

 

¿O quizá este último disco es un “antídoto” a la madurez? Aunque sea fugazmente.

“También, la madurez tiene algo de aburrido y utilizamos nuestras canciones para huir de todo eso.”

 

Lo que sí es notable es la presencia de bases más electrónicas, deja de ser tan melódico y con menos tempos. Vuestro productor ha sido Edu Baos de León Benavente. ¿Cuál es el papel de un productor como influencia en la grabación de un disco para vosotros?

“Edu Baos ha sido una influencia importante en la producción. Algunos de los temas que llevábamos maquetados al estudio, cambiaron bastante. ?l les dio un tono mucho más directo.”

“La idea de meter más electrónica salió en el local y Edu nos ayudó a terminar de matizarla en el estudio”

La portada es bastante pasada, me recuerda a la película Matrix cuando les enchufan en la cabeza y espalda todos esos cables para que tengan nuevos conocimientos, pero me da que no es la intención de esta portada. ¿Qué os sugiere? Podemos estar conectados, pero sentirnos muy lejos.

“Es justo de lo que habla la portada, de la despersonalización a través de las nuevas tecnologías, efectivamente estamos conectados, pero cada vez más aislados.”

 

La canción que más me sugiere todo este tema es Desconocidos.

“Desconocidos es la respuesta a Perdóname (Radiografías). Cuando escribí Perdóname, me basé en una experiencia que había tenido hace unos años, pero solo escribí una de las versiones de la historia. Me parecía justo escribir sobre la otra.  Aunque también se puede aplicar a lo que comentas de la portada.”

 

Hombres Tristes nos encanta, pero siempre nos quedaremos con Volverme a preguntar. ¿Nos podéis describir estas dos canciones?

“Volverme a preguntar habla de permitirse fallar y volver a intentarlo, al margen de la opinión de los demás, es un canto a la libertad, tanto de manera interna como externa.”

“La idea de Hombres Tristes surgió en la gira de Parque de atracciones, cuando alguien después de un concierto, nos dijo que aunque hacíamos canciones con tintes tristes, nosotros nos reíamos mucho y no parábamos de hacer bromas. De ahí la letra con las contradicciones verídicas, en la que los hombres tristes se ríen de todo.”

 

Dejando a un lado el último disco y yéndonos al otro extremo. ¿Cómo son vuestros inicios en la música?

“Yo personalmente empecé con 19 años, mi primera banda se llamaba Homeage, un grupo de punk rock al que siguió Nuevenoventacicinco de hardcore y Zoo de rock. Los principios son bonitos, inocentes y llenos de ilusión.”

 

¿Sobrevivís de la música? ¿Qué os da de comer?

“No sobrevivimos de la música, tenemos otros trabajos que nos ayudan a pagar el alquiler y llenar la nevera. Digamos que tenemos dos trabajos, pero solo uno nos da de comer.”

 

Vuestra imagen de banda que va a su aire, una carrera sin prisa, pero sin pausa… me vienen a la cabeza bandas similares a la vuestra del panorama nacional, pero menos macarras. ¿Quién de vosotros es el más malote?

“No hay malotes en la banda, somos bastante accesibles. Somos buenos amigos y eso es algo muy importante para nosotros, que el ambiente de trabajo sea natural y sobre todo divertido.”

 

Mojaos un poco y contad alguna manía de banda.

“Tenemos la manía de odiar recoger después de un concierto y de querer tener buenas pruebas de sonido, pero siempre nos toca recoger y no siempre tenemos todo el tiempo que nos gustaría para probar.”

 

¿Cuáles han sido vuestras experiencias más enriquecedoras? Desde colaboraciones, encuentros, conciertos y festivales a coincidencias casuales.

“Ha habido muchas, sobre todo con las colaboraciones. Hemos tenido la suerte de compartir escenario con grandes amigos como Jorge Gonzalez, Javier Couceiro, Manuel Cabezalí, Pucho, Andrés Mutantes, Manuel Estirpe, Carlos Sosa, Ekain, etc..”

 

Una pregunta de estas típicas, ¿influencias del último disco con respecto a los anteriores? Ejemplos de otras bandas.

“Hay muchas referencias que siguen siendo las mismas como Blonde Redhead, dEUS o Black Rebel Motorcycle Club, pero quizás en este disco al meter más elementos de electrónica pudieran ser NIN, Radiohead o Soulwax.”

 

Pregunta de guion obligatorio en Kontagiarte, ¿qué es para vosotros la música?

“La música para nosotros es un espacio donde ser libres y creativos. Una herramienta para contar las cosas que nos rodean y para ser más felices.”

 

Os dejamos las fechas de los próximos conciertos de Pasajero:

  • 7 JULIO | Festival PortAmérica
  • 30 AGOSTO AL 1 SEPTIEMBRE | Guadalajara, Festival Gigante

 

 

 

 

Entrevista a NEREA COLL

“Para mí la música debería sonar por la vida como si fuera una banda sonora.”

Tenía ganas de conocerla. Muchas. Hacía tiempo que seguía su trabajo, un trabajo indeleble en el tiempo, que siempre permanecerá en él, congelado en forma de bellas e insólitas imágenes. Así es su creadora, intensa y magnética.

Si pienso en ella me vienen diversas sensaciones. Nerea Coll es enérgica, resuelta, vivaz, una chica activa, un “culinquieto” y una mujer pasional. Creo que su trabajo habla por sí mismo, y cuando nos da detalles sobre él, comprenderéis por qué me vienen a la mente y sentidos todas esas denominaciones.

Es un lujo tenerla entre nuestras páginas, compartir un tiempo y unas conversaciones que incitan a conocerle más. Experimentar la música a través de sus ojos, desde una perspectiva totalmente distinta de lo que estamos acostumbrados a sentir, porque la música, los conciertos y las sensaciones que se producen en un momento determinado se esfuman, pero ella hace que permanezca para siempre.

Con todos ustedes, tenemos el placer de presentar en Kontagiarte a Nerea Coll, “la fotógrafa de los festivales”, la chica de los cabellos rizados que con cámara en mano, buscará siempre el momento perfecto, en el lugar perfecto, con la luz sublime.

Y atentos, porque no nos dejará indiferentes. Conoceremos más su arte y su trabajo, incluyendo otras disciplinas y áreas la fotografía, además de algunas curiosidades y consejos que todos debiéramos anotar.

¡Bienvenida al mundo de los elefantes Nerea Coll!

Para quién no te conozca, ¿quién es Nerea Coll y a qué se dedica?

“Ante todo es una mujer apasionada por lo que hace y por lo que le gusta, que se desvive por su trabajo. Eso es lo que me define, la pasión y la intensidad con la que vivo. Como siempre trabajé para mí, soy exigente y comprometida con mi trabajo. Soy una mujer bastante independiente, disfruto con el orden y la disciplina, tanto como el relax y la desconexión.”

¿Vives de igual forma un festival de música indie que de rock, o hay un género musical con el que te sientas más cómoda?

“La verdad es que, aunque tengo mis preferencias, lo que me hace disfrutar de un concierto es lo que el público vive en él, obviamente ayuda si coincide con mi gusto musical, pero reafirmo que si ellos lo disfrutan, yo también.”

Es algo así como ir buscando emociones ¿no?

“¡Exacto! Se parte desde ahí. La verdad es que estoy más en otra sintonía, estoy en la parte sensitiva, de
la gente, el público…

Obviamente, gracias sobretodo a la experiencia y a la cantidad de veces que ves el concierto de un artista a lo largo de la gira, sabes qué momentos te van a facilitar esa captura, pero simplemente son caminos y atajos para llegar a mi verdadero objetivo, atrapar sensaciones.”

Mientras el público está disfrutando, tú estas buscando la foto perfecta y trabajando…¿Cómo se lleva eso?

“Al principio, yo comencé a trabajar en este tipo de reportajes de festivales, cubriendo únicamente la parte de “esencia”, es decir, buscando todo lo define un festival. No es igual un Viñarock que un festival de Les Arts, evidentemente, y esa parte del público se descubre en ubicaciones, en la temperatura, en los colores, en qué marcas determinadas están, en un estilo… Al principio tenía todo el tiempo del mundo para poder hacer este tipo de reportajes.

La verdad es que ahora, me encargo en general de prácticamente todo lo que implica fotografía de un festival. Pero con el tiempo y el bagaje que te aporta hacer 13 festivales grandes al año he conseguido organizarme para llegar a todo.

Además diré que no soy una chica “fiestera”,  soy más bien la que prefiere ver un concierto acústico de cerquita, por lo que no me da “morriña”, de hecho es al contrario, no concibo un evento así sin llevar mi cámara.”

¿Qué momentos especiales fotografías en un festival?

“Hay momentos a lo largo del día que yo destaco, por ejemplo, con los cabeza de cartel o los atardeceres… estos son momentos super clímax. En general también, un público adolescente está mucho más entregado que un público más maduro. Se describe otro tipo de sensación, que igualmente es genial.

También otro momento que es especial, cuando la gente cambia de ubicación tras haberse acabado un concierto bastante importante y la gente va corriendo a otro, ese paseo que hay entre un escenario a otro es un regalo, además la luz cambia y genera atmósferas mágicas.

Y por supuesto estar escuchando la primera, segunda o tercera canción y que la luz del concierto les esté iluminando. Ahí se crea un ambiente muy distinto, muy bonito. Es tener la paciencia, mantener la respiración y buscar en el momento a la persona que lo esté dando todo, que la luz y que las conexiones se den
ideales para poder tomar la fotografía.”

Te hemos visto muchas veces por localizaciones super recónditas, ¿te gusta siempre innovar en tus fotografías?

“Es que si no, ¡yo me aburro! (risas). Y si yo me aburro y hago exactamente lo mismo que el año pasado, no me siento bien, necesito evolucionar. Cada día y momento es único y diferente y me siento muy comprometida con esa búsqueda, y con el esfuerzo de encontrarlo para compartirlo.

Por ejemplo, un año en el Festival de Les Arts estuve todo ese primer día pensando “cómo poder tomar una foto que se viera todo el recinto”. Se trataba del Concierto de Izal con fuegos artificiales, y yo sin perspectiva para poder captarlo como toca.

Después de un par de paseos di con ese lugar, gracias a dirección y al equipo de seguridad pude acceder a un rincón elevado para poder captar en una sola imagen el momento más clímax de todo el festival.”

¿Qué es lo que más te gusta fotografía aparte de la música?

“Pues tengo la suerte de que fotografío lo que me gusta, no sería del todo sincera conmigo misma si realizara otros trabajos que no me provocaran, no podría dar el 100% de mi. En mi web está muy bien explicado y divido, después de varios años di con la manera de clasificar mi trabajo.

Por un lado está la E1 EMOCIÓN, aquí entran todas las artes en cualquier de sus formas. En la actualidad festivales de música como predominante, pero realmente recoge las colaboraciones audiovisuales en creaciones e investigaciones escénicas.

Por otro lado E2 ESENCIA, en este apartado recojo la publicidad y los proyectos donde la identidad o el producto son la prioridad.

Y por último E3 ENCUENTROS que es mi faceta viajera, ya que pienso que viajar recicla mi mirada y mi creatividad, me aporta el des creatividad, me aporta el descanso necesario para continuar.”

Y volviendo a la respuesta de tu pregunta, tengo la suerte de fotografiar lo que me gusta.

¿Hay alguna Música que te inspire a la hora de realizar tu trabajo?

“Sí, tiene que ser música no intensa, normalmente debe que ser una música que sirva de acompañamiento, música tranquila, no tiene que ser un estilo en sí, es más lo que provoca la música.

Música de acompañamiento vamos a decirle, que no me cree un estado distinto, sino que acompañe un momento tranquilo de poder jugar con un color, poder probar un efecto nuevo… Si es música muy rápida o motivada, al final me conecto yo con ese ritmo y voy demasiado rápido trabajando entonces no lo hago como quiero.

Para bailar, conducir… es otra cosa, pero para trabajar ya te digo, tienen que ser ritmos lentos y tipo melódicos, hasta un cantautor, música clásica…algo tranquilo.”

Sé que tendrás muchos, porque como hemos comprobado siempre vas bien cargada, pero ¿tienes algún objetivo favorito para captar tus momentos?

“¡Sí! Tengo dos, uno es el 24-70 2.8, el nuevo porque es un objetivo que tiene un zoom y es variable y que te da para tener cierta cercanía, pero mi objetivo favorito es 35mm f/1.4, me ayuda a focalizar la mirada del espectador.”

Qué significa la música, para ti.

“La música… Pues mira yo siempre tuve un sueño, y la trato como tal, y es que para mí la música debería sonar por la vida como si fuera una banda sonora.

La música intensifica cualquier cosa, buena o mala. Aparte de provocar, realmente la música lo que hace es buscar tu recuerdo, o tu vivencia y por eso conectas con ella, porque te recuerda a un amigo, a un momento o viaje… lo que sea, una vivencia personal.

Creo que todos seríamos mucho más sensibles y mucho más sensitivos, si así fuera.

Por eso me gusta vivirla, compartirla, fotografiarla, escucharla… incluso yo a nivel personal y como hobby, toco dos instrumentos: la guitarra y el piano. Mi padre es guitarrista de toda la vida, y yo me he criado en un estudio de música. Por lo tanto, aunque nunca me llamó para hacerlo a nivel profesional, sí en mi casa tengo instrumentos todo el tiempo y los cojo para tocar. Y grabo con mis amigos, escucho a mi padre, mis tíos son músicos…”

He vivido en un entorno musical que también la trataron como se debe y es el motor de su vida. Entonces quizá por eso mi conexión. Es un método más para mi.”

¿Después de los festivales tienes algún proyecto diferente, o proyecto personal?

“Por el momento sigo dentro de ese entorno, este año se estrenó mi exposición “Pálpitos”, patrocinada por Alhambra. El objetivo era acercar las sensaciones que se viven en un festival desde esa exposición, pues te acompañaba en el recorrido una banda sonora; ya sabes por qué :)

Continúo colaborando con PayaSOS hospital, que es una Asociación de Payasos, está subvencionada por el Estado y por lo tanto ahora mismo están en un momento un poco, por decirlo de alguna manera, más complicado.

“Me parece precioso que utilicen las artes para provocar que los niños tengan una vivencia más llevadera dentro de los hospitales.”

La mayoría de “clowns” o los directores de la asociación son amigos míos, y me parece precioso que utilicen las artes para provocar que los niños tengan una vivencia más llevadera dentro de los hospitales. Hablamos de niños con enfermedades terminales y muy complicadas, entonces lo que estoy haciendo durante todo el año estoy yendo una vez al mes, a distintos hospitales de la Comunidad Valenciana de manera desinteresada, es una colaboración que quiero hacer, porque quiero que se les vea y fotografío dentro de los hospitales.

Es una experiencia súper particular y nadie tiene acceso, fotografiar a un niño que está con una cicatriz o a nivel físico con malformaciones… Es un tema complicado de llevar pero para mí cobra todo el sentido cuando ves a un niño que se relaja, ves que se acerca, que quiere tocar… Creo todo afecta para positivo, el hecho de
que los vean y los traten.

Creo que haré algo, algún tipo de expo o algo para que la gente conozca el trabajo que lleva esta gente. Yo he salido afectada esos días, he salido con la lagrimita porque he visto cosas súper fuertes y hablamos de la esencia de vivir, ¿no? De que es un niño, que no está contaminado por nada, es un ser muy inocente.”

 

Os animamos a que no le perdáis la pista y conocer de cerca a Nerea Coll, sin duda una de las mujeres más magnéticas gracias a su actitud y a través de sus objetivos.

Entrevistamos a GIGANTE y su “Momento de Tangencia”

Nos encanta descubrir grupos, y más si su Música evoca cosas que hacía tiempo que no sentías.

Tanto ha sido así que queremos que los conozcáis un poquito más, que los descubráis como hemos hecho nosotros, siendo su Música nuestra banda sonora diaria.

Al finalizar esta entrevista, tenemos una importante noticia que contaros que nos une a los dos. Dos “gigantes”, uno musical y otro paquidermo, se juntan, para mostrar al Mundo una perspectiva diferente, especial de la Música, la que interiorizan estos 5 chicos afincados en Barcelona.

Vamos a conocerles un poquito más ;)

¿Quiénes son GIGANTE y cómo surgió vuestra formación?

Gigante está formado por Jordi Sánchez (Bajo) José Castro (Guitarra) Albert Subirats (Batería) Jorge Reyes (Teclados) y Sergio Casas (Voz, guitarra)

Comenzamos a principios de 2015. Jordi, Sergio y Manuel Cañadas, el anterior batería que estuvo hasta la grabación del último Ep.  habíamos tocado juntos en varios grupos anteriormente y después de estar una temporada sin demasiado contacto, decidimos crear Gigante como una excusa para volver a vernos regularmente. Poco a poco el proyecto fue tomando forma y en 2016 editamos nuestro primer Ep, “El lenguaje original”, con cuatro de las primeras canciones de la banda, tuvimos una muy buena respuesta del público y acabamos clasificándonos para la final de varios concursos nacionales. Así que el proyecto siguió creciendo y  entró un nuevo guitarrista (José Castro) un teclista (Jorge Reyes) y Albert Subirats (Batería) entro en la banda para sustituir a Manuel cuando por motivos personales decidió no continuar. Con la entrada de los nuevos componentes Gigante pasó de ser una reunión de antiguos amigos a ser un grupo con nuevas aspiraciones.

¿Qué es para vosotros el “Momento de Tangencia”? 

“El título “Momento de tangencia” está tomado del “Dictionary of obscure sorrows” de John Koenig, un trabajo muy interesante en el que propone nuevos términos para sentimientos y sensaciones que hasta ahora explicábamos de otras formas. En el caso de “Momento de tangencia” se refiere a esa sensación de “que hubiera pasado si…” que todos hemos tenido alguna vez, si nuestra historia en lugar de correr paralela a la de otras personas hubiera coincidido en algún punto con sus historias.

Así que “Momento de tangencia” es en realidad una red infinita de posibilidades, como la música que se desarrolla en función de un momento, de las personas que hay alrededor, de las cosas que te influencian ese mes, ese día, ese instante.”

“Nuestro sonido tiene algo de todo, pop, rock, electrónica, sinfonismo.”

En vuestras canciones hacéis mucha referencia el tiempo, a los momentos, etc… ¿Qué valor tiene y qué significado tiene “el tiempo” para vosotros?

“El tiempo es como una carretera de sentido único por la que avanzas sin poder detenerte y sin poder dar la vuelta si te pasaste de salida, tal vez encontrarás una salida más adelante por la que reencontrar en otro punto ese pasado, pero no puedes volver atrás. En nuestros temas hay varias aproximaciones al concepto tiempo, en “un momento como este” se mira el ahora, el momento maravilloso en el que deseas que todo se detenga, sin embargo “No queda nadie” es una oda a los tiempos pasados, a los momentos que se fueron.

“Momento de tangencia” es un trabajo reflexivo y un poco filosófico, es lo que en ese momento salió, posiblemente lo próximo que publiquemos no tenga nada que ver con esto y tal vez sea algo frívolo y superficial lleno de frases como “Yeah yeah baby damelo todo” es broma, ¡espero!”

Nos encantan los matices electrónicos, melódicos, tan bien mimetizados en las canciones… ¿Buscabais eso? ese mimetismo, futurista, que se queda patente, o ha ido surgiendo?

“Que la electrónica y los teclados tuvieran mucha importancia en el sonido de Gigante es algo que teníamos presente desde el principio, los teclados aportan una gama de texturas y expresiones que con solo guitarras no se pueden conseguir. Así que nos alegra que os guste la forma en que hemos trabajado el sonido. Es algo importante para nosotros.”

¿Cómo definiríais vuestro estilo y sonido?

“Los estilos musicales actuales son una simbiosis de los estilos de décadas pasadas, es difícil acotarlos como algo concreto, diríamos que somos un grupo de pop simplemente porque no somos un grupo de rock (si entendemos Rock como Guns’n’roses o Aerosmith por ejemplo) como nos apoyamos bastante en los teclados y la electrónica, podríamos decir que somos Pop electrónico. Pero cualquiera que nos haya escuchado sabe que no es cierto. Nuestro sonido tiene algo de todo, pop, rock, electrónica, sinfonismo. Quizá ya existe una denominación para lo que hacemos pero no la conocemos y tal vez no la conocemos porque nos da un poco igual.”

¿Cómo es vuestro proceso compositivo, y en qué os inspiráis?

“La composición es comparable a sintonizar la radio y buscar una emisora que te gusta, una vez que escuchas algo que capta tu atención no necesitas hacer ningún esfuerzo, solo dejarte llevar, es lo que ocurre en nuestro caso, nunca forzamos la composición, si algo sale de forma natural simplemente lo seguimos. En cuanto a que nos inspira… todo, una palabra, un sonido, un libro, una película, un recuerdo, se trata de estar receptivo y abierto, cualquier cosa puede servir de inspiración, depende más de tu propia disponibilidad a ser inspirado.”

Nos podéis hablar un poquito de la portada de tu nuevo disco, nos llama mucho la atención toda la simbología que tiene…

“La portada es obra de Magga Hjort, una diseñadora sueca afincada en España que ya nos ayudó con portadas de anteriores grupos y además es la creadora del logo de Gigante. La portada tiene mucho que ver con el concepto de momento de tangencia, engranajes de relojes, círculos que se cruzan con otros pero que siguen su camino, formas geométricas que acaban formando algo parecido a un rostro un poco picasiano… es importante que cuando alguien colabora con nosotros aporte su visión artística personal. Eso enriquece el conjunto.”

Nos gusta mucho la estética que tienen vuestros videoclips y los lyrics de vuestras canciones de Youtube… Contadnos un poquito más sobre ello.

“Aquí nos encontramos con el nuevo paradigma de la cultura musical, mucha gente escucha y descubre nueva música gracias a plataformas visuales como Youtube, así que necesitábamos exponer nuestra música allí, siendo un grupo sin grandes recursos, recordad que somos auténticamente “indies” (término que se acuñó para definir a cualquier manifestación artística que se auto-gestionase y no para definir a los grupos pop que están en Sony o Warner, you know what I mean…) nuestra forma de hacer los videoclips ha sido gracias más a nuestro ingenio que a los medios que contábamos para hacerlos. Para los lyric videos hemos utilizado trabajos visuales de otros artistas independientes con su consentimiento y el videoclip de “un momento como este” fue realizado por unos amigos a los que les encanta nuestra música, con pocos recursos pero mucho cariño.”

“La Música es el medio en el que estás sumergido, el cual usamos para expresarnos, para seguir aprendiendo, creciendo, soñando…”

¿Tenéis algún grupo de referencia y con el cual os sintáis mas identificado?

“Mmmm… no vamos a contestar a eso, somos cinco, cada cual con sus preferencias e inclinaciones, creo que no coincidimos con unanimidad en ningún grupo los cinco.”

¿Cómo veis, valoráis, el panorama musical actual en España?

“Parece bastante saludable, muchos grupos que suenan muy bien, muchos festivales y conciertos, mucha gente siguiendo a bandas nacionales, obviamente no es oro todo lo que reluce y no todos los festivales están llenos ni todos los grupos tienen un público fiel. Pero en general da la sensación de que vivimos una buena época musical en España.”

¿Donde podremos ver a GIGANTE próximamente?

“Estaremos el 9 de Junio en la sala Monasterio de Barcelona, y antes de eso hay un par de fechas sin confirmar en Abril y Mayo, en Madrid y Barcelona.”

Hay 3 preguntas que siempre están en Kontagiarte:

1.¿Qué Kontagiáis? 

“Supongo que solo puedes contagiar aquello de lo que estás afectado así que si podemos contagiar algo es el mismo amor por la música que sentimos nosotros. No somos un grupo de postureo, ni supermodernos, ni con una actitud de popstars, nos centramos en nuestra música y hay mucha gente que nos agradece esa honestidad.”

2. ¿Cómo definiríais la Música?

“La música es un conductor para las emociones, como el cobre conduce la electricidad, lo que escuchamos nos hace vibrar con una energía u otra.”

3. ¿Qué es la Música para vosotros? 

“En el sentido más poético, preguntar a un músico por la música es como preguntar a un pez por el agua, es el medio en el que estás sumergido, muchas veces sin ser consciente de ello, no es algo en lo que necesites pensar, pero si es algo de lo que no puedes prescindir, es el medio que usamos para expresarnos, para seguir aprendiendo, creciendo, soñando… no tiene nada que ver con popularidad, tendencias, festivales, redes sociales etc. Si no con la creatividad que todos llevamos dentro.”

 

Desde que escuchamos sus primeros acordes no pudimos quitarnos su Música de la cabeza.

Tanto es así que confiamos en su Música, en sus letras, en su estética. Desde Kontagiarte apostamos por ellos, y a partir de este momento daremos “Support” Oficial, uniendo a  GIGANTE al Roster de Kontagiarte. 

Aquí os dejamos su PÁGINA. ¿A qué esperas para descubrirles? ;)

 

Entrevista a Kitai: 4 Pirómanos en todos los niveles

“Estamos 24/7 “in”. Con la cabeza siempre en la banda, viviendo por y para ella. Debido a esto, estamos en todo momento pensando nuevas formas de show, nuevas ideas, nuevo arte en el escenario.”

Kitai era el típico grupo que me iba sonando de verlo en letra mediana en los carteles de festivales, te llama el nombre y le prestas atención. Una vez los escuchas no puedes negar que no hay nada en el panorama musical nacional con lo que comparar…

Podemos hablar de un cuarteto de rock compuesto por unos chavales que comenzaron reventando concursos de bandas emergentes, Wolfest 2012 y la tercera edición del Termómetro Rolling Stone es prueba de ello. O que incluso llegó a financiar su segundo disco gracias a un torneo virtual de tenis organizado por el Open de Madrid, ganando los tres primero premios.

Kitai es sudor, rabia y locura.

 

  • ¿Cómo fueron los inicios de Kitai?

Nos juntamos cuatro músicos con la misma inquietud: nos flipaba la música. Entonces empezamos a crear canciones, a tocar, tocar y tocar sin parar, 24/7 en el local de ensayo. Y desde ese punto de inicio hemos ido creciendo como personas y como músicos y somos lo que puedes escuchar y ver en “Pirómanos”, con la misma inquietud, ilusión y ganas que teníamos al principio o más, si cabe.

 

  • Parece que ni ensayáis y sois unos “Viva la virgen”, pero detrás lleváis mucho trabajo y muchas horas. Además creo que la puesta en escena, aunque sea una auténtica locura, necesita ser preparada. Contadme ese proceso.

No hemos invertido más tiempo en nuestras vidas en otro proyecto o trabajo que no sea Kitai. Como hemos dicho antes, estamos 24/7 “in”. Con la cabeza siempre en la banda, viviendo por y para ella. Debido a esto, estamos en todo momento pensando nuevas formas de show, nuevas ideas, nuevo arte en el escenario, etc. A partir de ahí empiezan a salir las ideas que se nos ocurren, como son la puesta en escena y el arte extra musical que se encuentra en nuestros trabajos.

 

  • Habéis depurado un estilo muy vuestro, la voz de Alex e incluso su propia estética, el modo de aporrear la batería o de toquetear el bajo. El mejor ejemplo que se me ocurre es el momento Sonorama 2016. Sabéis que fue algo muy fuerte.

Somos conscientes de ello, ese día fue una auténtica pasada, y le tenemos muchísimo cariño a la gente del Sonorama por habernos tratado como en familia, brutal todo. Con el paso del tiempo sí que es verdad que vamos depurando nuestro nuevo estilo. Crecemos y vamos unificando el concepto Kitai, ya que la unión de los 4 miembros cada vez es mayor.

 

  • Ahora habéis fichado por Sony Music, ¿cómo está siendo esta fase?

Una auténtica locura todo lo que nos está pasando. Estamos recibiendo mucho apoyo con este nuevo disco, Sony ha sido un paso más en nuestra pequeña pero intensa carrera. Es emocionante y muy alentador que una compañía de este calibre se fije en tu proyecto, pues quiere decir que estás haciendo las cosas bien. Tenemos la filosofía del trabajo inculcada a muerte, sabemos que sin él no se llega a ninguna parte y seguimos trabajando desde el minuto 0.

 

  • ¿Cuál diríais que es la diferencia entre Que vienen (2015) y Pirómanos (2017)? En todos los niveles…

“Que Vienen” lo hicimos en 2015 y “Pirómanos” en 2017. Suena algo obvio, pero las ideas que salen de dentro de nosotros mismos no son las mismas de un año para otro. Los gustos evolucionan, adquirimos una mayor sensibilidad para el arte y vamos creciendo y mejorando como músicos. Esto hace que no sean similares las ideas de un año para el otro. Tenemos que dar crédito a la persona que ha estado en los mando de este último trabajo, que es Juanma Latorre, guitarrista de Vetusta Morla. El tío es la persona con más talento que nos hemos encontrado nunca… y no estamos exagerando. Aparte de ser un crack y un amor como persona, se ha involucrado a “full” con nosotros desde el principio, ha sido un 5º Kitai y nos ha explotado la cabeza con sus ideas y aportaciones. Definitivamente nos encantaría seguir currando con él en un futuro.

 

  • El 3 de Noviembre presentasteis el nuevo disco en la Joy Eslava… he visto lo que pasó con Deivhook. ¿Preparado? ¿cómo lo describiríais?

Sí, algo de este calibre tiene que estar preparado porque son muchas las condiciones necesarias que hay que cumplir para llevarlo a cabo. Lo describimos como algo muy Kitai. Como ya hemos mencionado, nos flipa innovar, y la movida de la tarima con la batería encima surfeando a la gente es una muestra de ello.

 

  • Con tanta energía y difícil de canalizar, ¿qué es lo más raro que os ha pasado encima de un escenario? ¿y en el local de ensayos?

Una vez una fan se subió completamente en pelotas al escenario mientras estábamos tocando… flipamos bastante. En el local: ver a Raphael bajarse de una limunisa para ir a ensayar su gira.

 

  • El próximo 17 de Febrero tocáis con Shinova, un grupo que ha cambiado/evolucionado mucho desde sus inicios. ¿Creéis en el cambio o en la evolución de las bandas?

Totalmente. La evolución de una banda es algo inherente a las personas que la componen. Nuestros amigos de Shinova son un claro ejemplo de ello, todas o prácticamente todas las bandas suelen sufrir cambios debido a su evolución.

 

  • Vuestras letras llevan mucha energía y rabia contenida, ¿en qué os inspiráis? Con Nº 1 o El Enemigo, ahí veo liberación y picorcito… nada que ver con Lejos o el concepto de vivir de Sientes el Golpe.

Son sensaciones, ideas, ocurrencias y vivencias que suceden en nuestras cabezas o en nuestras vidas. La inspiración puede llegar en cualquier momento, pero para materializarla en forma de canción hay que estar trabajando.

  • Lo más contrario en cuanto a similitudes con vuestra música… nombrarme lo más diferente que podéis escuchar a vosotros. Como me digáis reguetón me matáis…

El trap.

 

  • Banda con la que os gustaría coincidir.

Biffy Clyro.

 

  • Sala en la que deseáis tocar.

Sala La Riviera.

 

  • Festival a la vista…

De momento podemos avanzar que estaremos el 25 y 26 de mayo en el “Iruña Rock”, en Pamplona, con amigos como La Raíz, La M.O.D.A. y muchos más.

 

  • Y por último, pregunta obligada. ¿Qué es para vosotros la música?

Lo es todo. Es una forma de vivir. Para nosotros Kitai es nuestra música, esa sensación que no sabes de dónde viene, pero que te da la vida y nos hace felices, nos hace tener mucha energía o estar por los suelos cuando algo sale mal. Es nuestra vida. Nuestro plan A, B y así hasta la Z.

Entrevistamos a Lázaro y su Plan Marciano

Entrevistamos a Lázaro, un proyecto musical en plena evolución que comenzó en 2013 de la mano de Nieves Lázaro. Tras Fierce (2014) y Soles y Pingüinos (2016), llega el primer episodio de RGTRN.

 

  • Nieves Lázaro (voz), se podría decir que eres la fundadora del grupo. Comenzó con el primer disco básicamente creado por ti, Fierce (2014), y que luego se grabaría como grupo. ¿Antes de esto que hubo? ¿De dónde viene tu primer contacto con la música?

Te puedo contar mi primer contacto con la música, que no tiene desperdicio. En mi infancia, yo vivía en Munich, y formaba parte del grupo de música de niños de mi cole. Resulta que nos empezaron a contratar para cantar y tocar en un programa de televisión, y un tal David Hasselhof se fijó en nosotros. Nos llamaron entonces para grabar coros para un disco que estaba haciendo y esa fue mi primera experiencia en un estudio de grabación. Grabé un disco para Mr. Hasselhof a los diez años…

Solo que entonces me pagaban por grabar, y ahora pago yo… es curioso.

Luego en el 2003 empecé a tocar con JF Sebastian, y desde entonces me ha acompañado siempre la música, y espero que lo siga haciendo por muchos años.

Fierce lo compuse a lo largo de 2014. Llevaba años jugando con ideas de canciones, pero me resultaba tremendamente difícil terminar alguna. El momento mágico llegó cuando tuve una fecha de grabación que tenía que respetar, con Manuel Cabezalí, que produjo el disco. Ese disco en realidad no lo grabamos con banda, ya que aún no existía. Todo lo tocamos y creamos entre Manuel y yo.

 

  • Según hemos podido indagar, fuiste miembro de J.F. Sebastian durante 11 años y también formaste parte de la banda de Julio de la Rosa. ¿Cómo recuerdas esa fase y qué es lo mejor que te llevas? ¿Lo peor?

¡Así es! JF Sebastian ha sido siempre mi familia musical, y como todas las familias hay amor y tensión a partes iguales y así nos movíamos hacia delante. Fue una época muy bonita en mi vida. Christian y yo nos sentábamos muchas veces a hacer letras juntos y eso lo recuerdo con mucho cariño. Hicimos conciertos en lugares muy especiales, desde  bibliotecas antiguas a algún festival a fiestas privadas en piscinas.

Con Julio de la Rosa hicimos una gira nada más, y la repetiría mañana mismo. Julio es una persona muy inspiradora a la que admiro mucho y formar parte de su proyecto es algo que siempre me ha hecho mucha ilusión.

Lo peor? Es una lástima que a veces, justo cuando sientes que los conciertos han cogido empaque y suenan por fin brutalmente bien, se acaban las giras.

 

  • Ese primer disco fue muy experimental, ¿se podría calificar así? Utilizando como percusiones elementos de todo tipo (cacerolas, bandejas…), ¿cuál diríais que es la diferencia con Soles y Pingüinos (2016), aparte de que fue grabado íntegramente en español?

Sí, fue bastante experimental. El proceso creativo de Fierce fue muy iluminador a la vez que duro, no es fácil luchar contra las resistencias internas y llevar las cosas hasta el final. Componía sobre todo de noche y en soledad. Luego vino la grabación, que fue increíblemente divertida. La única premisa que yo me puse era la libertad absoluta, no había reglas, era mi proyecto y hacía lo que me daba la gana en cada momento. Así hice canciones en español, inglés y alemán y dos instrumentales, y así acabamos golpeando sillones a modo de bombos, radiadores y cacerolas. Arreglábamos juntos una canción por día usando siempre métodos poco convencionales. Aprendí muchísimo y me lo pasé muy bien, la verdad.

Soles y Pingüinos, en cambio, es un disco de banda. Fue un movimiento de apertura hacia fuera. Yo traía bocetos al local y los íbamos construyendo entre todos. Fue muy gratificante pasar de la soledad creativa a la compañía de unos seres tan especiales como son estos Lázaros que me rodean.

 

  • Los componentes de la banda también han cambiado, además de Nieves han pasado otras personas y ahora completan la agrupación Juanma Padilla (percusiones), Rafael Revelles (teclados y guitarras) e Iris Banegas (bajo). ¿Cómo clasificaríais vuestra música a día de hoy?

Sí, por Lázaro ha pasado ya un elenco de personajes fabulosos: el propio Manuel Cabezalí, Laura Prieto (Rusos Blancos) y Nahúm García (Havalina) hasta asentarnos en esta formación. Cada cambio ha sido un poquito traumático pero a la vez nos ha hecho crecer y transformarnos.

Que a un grupo que se auto-clasifique es tarea complicada. Pero lo voy a intentar. Creo que somos precisamente eso, un grupo unido por un concepto a la hora de hacer música que es la libertad y como se dice en inglés “jugar a la música”, play music. Para nosotros la música es un campo de exploración creativa. No queremos parecernos a nadie sino buscar nuestro camino; buscar sin parar.

 

  • Ya habéis presentado vuestro nuevo disco, RGTRN. ¿Qué quiere decir? ¿Y a qué viene toda esa ambientación del Plan Marciano?

RGTRN es “REGE-TORN” (torn = rasgado, destruido) es decir, es nuestra propia destrucción de un género musical para construir otro. El ritmo del regetón siempre me ha fascinado, de hecho está presente en nuestra discografía, y me apetecía explorarlo. Destruirlo para construir algo nuevo.

El plan marciano salió de un hashtag que le puse a una foto en Instagram un día, después de ensayar estas canciones. Sin pensarlo mucho, me pareció bastante marciano todo este plan de ir al local a destrozar regetón y puse #lazarotieneunplanmarciano debajo de la foto. Luego empezó a cobrar fuerza por si solo hasta el punto que la gente me veía por la calle y me preguntaba por el plan marciano.

Siempre hemos tenido una estética un poco “espacial”, así de manera natural.

Y así han confluído las tres líneas para confabular este plan marciano delicioso.

  • Habéis pasado por Madrid y Tenerife con este último disco. ¿Sensaciones?

Con estas canciones tenemos la sensación de estar llegando a más gente. Han subido las escuchas en Spotify y en general nos escribe más gente para decirnos que les gusta lo que oyen. También nuestro directo ha ido transformándose mucho con el tiempo y creo que estas nuevas canciones le han sentado muy bien al repertorio. El caso es que yo siento que el público nos va entendiendo poco a poco, y me gusta ver como la gente se va metiendo dentro de la música que proponemos poquito a poco.

 

  • ¿Qué es lo próximo? ¿Tenéis objetivos a corto plazo? Futuras fechas de conciertos, algún festival en mente…

Festivales en mente tenemos varios, lo que no se es si ellos nos tendrán en mente a nosotros. (LOL)

Estamos a puntito de estrenar un nuevo videoclip, lo cual nos hace muchísima ilusión no solo porque es el primer videoclip de esta banda como tal, sino por la historia que hay detrás, y el cariño con el que se ha hecho. Sandra, la creadora y directora de este vídeo, de verdad que ha hecho maravillas con muy poco.

También seguimos componiendo para finalizar el proceso que hemos iniciado y publicar el disco completo para 2018.

Y por último, como hacemos nuestro propio booking, también estamos planificando nuevas fechas que esperamos poder anunciar pronto.

 

  • ¿Y a largo plazo? ¿Dónde os gustaría veros?

Me cuesta pensar en el largo plazo en esos términos. Más que dónde, la pregunta para mi es cómo. A mi me gustaría ver crecer el lenguaje musical que estamos desarrollando. Realmente mi objetivo es que Lázaro haga cada vez mejores canciones.

Creo que la ambición en este mundo musical es un arma de doble filo, y el éxito es un concepto inventado. Así que en lo que a mi respecta, Lázaro es una banda exitosa, porque consigue lo que se propone, que es ser fiel a si misma. Me gustaría no perder eso en el largo plazo, independientemente de lo que pueda llegar a ocurrir.

 

  • Sala con muchas ganas de tocar en ella:

Teatro Lara.

Ya tocamos en el Museo Cerralbo, que debe ser el escenario más bello en el que se puede tocar.

 

  • Último disco que hayáis escuchado y que os haya chiflado:

Ay! Qué nervios! Sólo uno?

The Horrors “V” (y el nuevo de Fever Ray)

 

  • Disco que siempre os chifle y da igual las veces que lo escuchéis:

Wild Beasts “Present Tense”

 

  • Por último, ¿cómo definiríais la música y que significa para vosotros?

Así, ¡por terminar con una pregunta ligerita! Pues es la droga dura más sana que conozco.

 

Esta es la entrevista de Penny Necklace

Penny Necklace presentó su nuevo disco La Luz el pasado jueves en la sala El Sol de Madrid. Un proyecto musical que surgió hace nueve años de la mano de Odette SP, artista nacida en París y crecida en Madrid. Tras recoger los frutos de su primer disco en inglés “Throwing Light” (2012), grabó su primer tema en castellano, momento en el cuál cambia de rumbo y abraza las influencias electrónicas y sintéticas.

Este es el disco-fanzine de Penny Necklace (2014) fue su primer álbum en castellano bajo la producción de Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly), grabado en El Invernadero (Brian Hunt) y El Lado Izquierdo (Dany Richter), con mezcla y masterización de Manuel Cabezalí.
La Luz, su segundo LP en castellano es un álbum conceptual grabado en tres tandas hasta finalizar en Septiembre de 2017. Víctor Cabezuelo repite como productor, contando con Pablo Sotelo (Mr Marshall) a la batería y la colaboración en algún corte de Laia Alsina, Diana Erenas, Joe Samano, Charlie Moreno y Brian Hunt. Un equipo completo con Manuel Cabezalí (Havalina) a la mezcla y masterización.
Kontagiarte ha tenido el placer de entrevistar a Penny Necklace para entender mejor ese viaje onírico que es su último álbum, a modo de tríptico discográfico que os invitamos a descubrir, repleto de ritmos sintetizados y estructuras evocadoras.
Soy seguidora tardía de Penny Necklace, me he enganchado en la época en castellano. ¿Cómo surge la banda en 2009? Veo que ha cambiado la composición, aunque no es lo único que cambia, vivís en un eterno cambio de aprendizaje y experimentación sino me equivoco.
“Penny Necklace comenzó como un proyecto unipersonal de chica (yo, Odette) con guitarra aclamando a las antiguas diosas del folk. Empezó como una forma de expresión casual, al salir con un músico en la universidad y al final, él lo dejo de forma profesional y yo cada vez me fui adentrando más. El proyecto fue creándose con distintas personas con las que formé banda y en la última época, con el anterior disco “Este es el disco fanzine de Penny Necklace” (Lago Naranja Records 2015) lo defendimos una banda de 4 mujeres. Hace un tiempo, algunas tomaron la difícil decisión de apartarse del proyecto por motivos personales y fue entonces cuando, antes de dejarlo morir, decidí coger las riendas en solitario de Penny Necklace como en los principios del proyecto y componer y grabar un disco con Victor Cabezuelo. Así resumiendo los últimos 9 años en pocas palabras, claro.”
Dreampop, electropop, synthpop… define vuestro estilo con palabras de la gente que no entienda de estilos con tanta profundidad.
“Realmente, en definitiva es pop. Pop personal en castellano. Tiene referencias de electrónica, indie-rock, psicodelia, drum and bass, folk y hasta trap. Es una receta personal con muchos ingredientes que resulta difícil de asemejar directamente con un estilo determinado. Lo que prefiero recomendar es que la gente escuche las canciones o venga a un concierto, lo sienta en sus propias carnes y lo etiquete como más le guste. Mete Alt-J, Bonobo, Radiohead, Tame Impala, Moderat, The Corrs y las Spice en una coctelera a ver qué sale.”
La interconexión y sinergia con más mentes creativas y la concepción de un proyecto multidisciplinar donde volcar muchas de mis inquietudes fue la mecha que encendió este proceso.”

Con Green Pine Tree (2012) y Throwing Lights (2014) me viene a la mente Alanis Morrissette… ¿cómo saltáis al castellano con Este es el disco de Penny Necklace? Fue un proyecto Crowdfunding donde se unen elementos gráficos, audiovisuales y obviamente, musicales. En esta fase es cuando más melodías sintéticas y bases cercanas a la electrónica notamos. Imagino que influiría la producción de Víctor Cabezuelo.

“No sé qué fue antes: el huevo o la gallina. Conozco a Victor desde antes de haber hecho una sola canción de Penny Necklace y por supuesto, el intercambio de referencias, descubrimientos e ideas me ha alimentado mucho, y mi gusto o emotividad con la música están influenciadas por los músicos y artistas con los que he tenido la suerte de coincidir en mi vida. En la etapa de inglés me expresaba de una forma que fui arrastrando hasta un punto en el que me sentía identificada por completo y el cambio al castellano, más que un cambio de idioma, fue un cambio de rumbo. Ahí fue donde plasmé, con la ayuda de Julia, mis inquietudes por la electrónica y jugué con los “cacharrines” que ahora me acompañan. No podría ser otro más que Víctor quien amasara esas canciones. La experiencia fue tan fructífera que no podía evitar repetir. Estoy enganchada a sus ideas.”

¿Qué marca la diferencia en LA LUZ respecto al anterior disco?

“La luz es otro concepto, un estudio por separado, dentro de un discurso en el tiempo, que toca otros temas y ahonda en otras tierras. Pero sobretodo la diferencia interna es la concepción desde una sola cabeza bien rodeada. Me siento muy identificada con el resultado y lo siento como un manifiesto abstracto personal. La gente que me conoce bien puede ver mucho de mi y mi historia este este disco. Es una instantánea de este momento.”
Los nombres de las canciones son peculiares al igual que su composición: cálidos, fríos, neutros e interludios… Cuéntame el proceso creativo que os ha llevado a ello.

“La interconexión y sinergia con más mentes creativas y la concepción de un proyecto multidisciplinar donde volcar muchas de mis inquietudes fue la mecha que encendió este proceso, hace casi un año. En realidad es eso, un ejercicio personal de investigación y expresión en colaboración con otros artistas. Entre varias personas se crean cosas que ninguna de ellas por separado se crearía igual, y el vértice de union de donde surgen las distintas direcciones es lo que unifica La Luz. Fotógrafos, músicos, directores, arquitectos y creativos en general que quieran participar de este proyecto son bien venidos a explotar los colores conmigo.”
¿Qué tal por México y Chile? ¿Habéis presentado allí el disco?
“Viajar presentando lo que haces a oídos nuevos siempre es una gran experiencia y un reto. No recibes miradas de emoción y expectación nada más subirte al escenario, que es el poder del público sobre mi. Ver que eso va surgiendo y brotando a raíz de un gran esfuerzo económico, físico y mental merece la pena. Es ver directamente relacionado los resultados de todo tu trabajo y da muchas fuerzas ver que funciona. Pasaron cosas increíbles allí y quiero volver pronto para seguir regando esa semilla.”
La presentación del nuevo disco en la Sala Sol es el inicio de una nueva etapa, ¿qué esperáis de ella?
“Una presentación es una celebración, un punto de partida y una “fecha de entrega” del proyecto. Si alguien ha estudiado arquitectura se sentirá identificado con este término. Es una noche mágica. Una escalada de fondo y conseguir alcanzar la cima, eso no quita que habrá mas cimas u objetivos que lograr pero este camino pasa por poner la bandera en este día y salir victoriosos. Es un día de compartir amor, cariño, nervios y emoción con toda la familia de Penny Necklace, desde los que lo ven crecer desde que apenas existe como el curioso que lo escucha por primera vez y se emociona. Es amor en un instante.”
La música es amor para mi. La herramienta que más velozmente conecta con la emoción y me une a la gente.” 
Y lo próximo… es? ¿planes? ¿proyectos?
“Tenemos varias fechas por España y la idea es engrosar esa gira con festivales, salas, ciclos y demás eventos donde poder compartir todo el color del universo en estas canciones. Repartir muchos discos por el mundo, crear cosas hermosas desde el local y plasmarlas en los escenarios que nos busquen, y por qué no, seguir buscando mentes creativas con las que colaborar y crear nuevos proyectos, videos, versiones, remixes o cualquier cosa que aun sea capaz ni de imaginar.”

Sala en la que más os ha gustado tocar.

“Como experiencia, El Sótano, con la presentación del anterior disco con un doble soldout. Una sala que permanece cerrada y espero pronto puedan volver a abrir sus puertas y seguir luchando por una oferta cultural variada y valiente en un ambiente tan especial.”
Sala en la que os gustaría tocar.
“Me gustaría La Joy Eslava o la antigua Sala Heineken de Madrid, y le tengo muchas ganas a la Pícaro de Toledo, Sidecar en Barcelona. También La casa Independente en Lisboa molaría pronto.”
He de decir que he esperado a ver la presentación del disco en la Sala Sol para hacer esta entrevista. Cuando ves un grupo en directo la opinión te cambia, y la mía lo ha hecho muy positivamente. El momento a solas con Blanco fue mágico, solo para que lo sepáis.
“Millones de gracias. Algunos dicen que la magia esta en los directos. Yo estoy muy de acuerdo.”
Por último, ¿cómo definiríais la música y que significa para vosotros?
“La música es amor para mi. La herramienta que más velozmente conecta con la emoción y me une a la gente.”
  • Os dejamos sus próximos conciertos de 2017 para que no perdáis oportunidad de escuchar esta maravilla!

Entrevista y Reportaje a THE NIFTYS

Teníamos muchísimas ganas de hacerlo y ha sido con este grupazo “Made in Albacete” con quién hemos estrenado un nuevo formato para nuestras entrevistas, reportaje con vídeo!

Nos colamos en el estudio con The Niftys para verles ensayar además de conocer en primera persona todos los detalles de este gran grupo emergente que sin duda, darán mucho de qué hablar!

Todos los detalles de su nuevo trabajo “Stoke the Fire” y sobre ellos mismos, The Niftys en este reportaje.

Entrevistamos a Viva Suecia y sus “Otros Principios Fundamentales”

El pasado viernes 24 de Marzo la banda murciana pasó por la sala Ego Live de Alcalá de Henares (Madrid) con un total sold out presentando su segundo disco Otros Principios Fundamentales (Subterfuge). Un concierto de tantos que les quedan por dar porque esto no acaba más que empezar, estaban nominados y lograron el premio a la “canción del año” por “Bien por ti” en la novena edición de los Premios de la Música Independiente (MIN) que se celebró la pasada noche en Madrid. También estuvieron nominados a la “mejor producción”, por “La Fuerza Mayor”, y “mejor artista emergente”.

No los perdáis de vista, ¡porque raro es el festival en el que no estén este verano!

Viva Suecia, compuesto por Rafa (cantante), Alberto (guitarra), Jess (bajo) y Fernando (batería), último en llegar a la banda cuando se formó hace 3 años y culpable en gran parte de la esencia de la banda y de su nombre, dada la gran influencia del post-rock sueco.

A su paso por la capital aprovechamos para hablar con ellos. ¡Aquí os dejamos nuestra entrevista!

 

Recuerdo cuando os conocí en la sala Caribou de Albacete, y con alguna cerveza en el cuerpo os grité ¡os veré en Sonorama!. Sin saberlo, así fue, en el camping organizado para el festival concretamente, pero sé que estaréis en escenario principal dentro de muy poco dada la velocidad que lleváis. ¿Cómo describiríais este último año? ¿Ha habido algún momento para pensar y reflexionar?

Rafa: Han sido un tres años en uno, un año muy largo de no parar y ahora ver los resultados como que tocamos en salas llenas, me parece que es algo increíble.

Jess: Tú misma has visto como hemos llegado, corriendo, prisas, pruebas, ahora aquí contigo, ducha y a salir a tocar. No hay tiempo para reflexionar.

Alberto: ¿Ducha? (risas)

¿Ni siquiera para la grabación del segundo disco?

Rafa: Musicalmente si ha habido mucha reflexión por así decirlo. Es impensable que hace un año estábamos tocando en Costello. Hemos compuesto todo el disco en dos meses, ¡teníamos muchísimas ganas y mucha incontinencia musical!

Alberto: El primer disco salió solo hace un año y ya tenemos el segundo. En ese tiempo lo hemos compuesto, grabado… sólo hemos tenido tiempo para eso.

Vuestro primer disco, La Fuerza Mayor, fue producido por Paco Román (Neuman), y ahora estáis bajo el sello Subterfuge. ¿Cómo fue la grabación en los estudios La Mina de Sevilla?

Rafa: Una pasada. Nos lo pasamos en grande, imagínate allí seis tíos metidos una semana en un estudio, haciendo todo juntos y sólo pensando en música y en el disco. Se creó un ambiente mágico que se ha trasladado al disco.

Alberto: Se grabó en dos fases, hay 3 canciones que se grabaron el Murcia y el resto fue en La Mina. En Murcia fue menos romántico pero lo del estudio fue una pasada.

Decidme algún adjetivo o palabra que describan la diferencia entre el primer y segundo disco.

Rafa: Contundente.

Alberto: Consolidación de sonido.

Jess: Enérgico.

Fer: Producción.

 

Para mí habéis creado vuestro sonido único, tenéis esa esencia que os diferencia cuando otros grupos tienen que modificar su sonido para que se les escuche más.

Rafa: Pues muchas gracias. Yo creo que desde las primeras grabaciones hace tres años con el primer LP ya estaba esa esencia. Desde el principio hubo una energía que fluía entre nosotros a nivel personal y a nivel musical.

Alberto: La idea era esa, es muy complicado marcar la diferencia. Desde el estudio y producción, se concibió para eso, para reforzar el concepto.

Me alegra que no seáis un producto, una banda creada…

Jess: Es simplemente que esto funciona musicalmente hablando, cada uno hace lo que le da la gana y sale así. Cada uno toca lo que le gusta tocar y al mezclarlo suena bien y funciona. En ningún momento nos dijimos que había que tocar de una manera concreta.

Rafa: El que marcó un poco el camino fue Fer, el que ha determinado más el sonido del grupo. Por su influencia, por su manera de tocar, los demás hemos ido un poco tras él y tiene parte de culpa de esa semilla nuestra. Luego cada uno pone su parte, Jess conoce grupos que no conoce nadie, Alberto tiene una manera muy peculiar de tocar, yo soy un mierdas… (risas). Al final, de esta forma rara todo encaja.

En el último disco hay canciones de subida, otras de bajada, unas más melódicas, llega a sonar un piano… yo lo interpreto como la vida misma, cuando tenemos malas y buenas rachas y al final siempre logramos alzar el puño. Pero hay una canción especialmente que me hace trasladarme a otro mundo, La Estrella de David, ¿la vais a tocar esta noche?

Rafa: No la vamos a tocar hoy, todavía es pronto, pero se va a tocar. Es complicada para gente que no conoce el disco entero.

Jess: Esa canción se compuso de una forma pero a la hora de grabar nos dejamos llevar, tenía un final ruidoso pero en el estudio nos dejamos llevar y salió. No tenía fin, tocábamos y tocábamos y fluía.

Alberto: Es muy orgánica, sin entrar en detalles, pero la batería del final ya no va recta, se improvisó su final. Es que es mi preferida y se tocará.

Los dos singles del último álbum hacen mucha referencia a la frustración que tiene nuestra generación. ¿Qué opináis sobre ello?

Rafa: Vivimos en eso, en ese momento y nos llega esa sensación de que aparentemente vivimos en el siglo XXI, todo es tecnología, cualquier cosa nos hace la vida fácil y sin embargo no tenemos tiempo para nada. Vas al curro, sales del curro, inmediatamente vas a ensayar y justo después vas a casa y si tienes suerte vas a poder cenar algo y tomarte una copa con tu pareja.

Alberto: De hecho hay veces que no disfrutamos de las cosas, un día estás llenando una sala y al día siguiente estás currando o pringado con algo. Yo veo a esta generación muy vacía y muy perdida.

Os quedan muchos festivales por delante, el San San, Interestelar, Mad Cool… ni se os ocurra pillar vacaciones. Supongo que tendréis ganas de ver a otros grupos.

Rafa: Alberto y yo tenemos ganas de ver a Ryan Adams, Wilko… Veremos a Pet Shop Boys en el Cruilla pero me hubiera gustado coincidir con Jamiroquai. En el Mad Cool coincidimos con Slowdive que es un grupo muy bueno. Coincidimos con mucha gente, y no solo los grandes de fuera, el año pasado coincidimos con La Habitación Roja y son gente majísima que hemos admirado toda la vida.  Ivan Ferreiro a mí personalmente también me gusta mucho.

Fer: Yo les tengo muchas ganas a Los Planetas, bueno y a The Cranberries también.

Y otros conciertos de grupos que hayáis acudido como público general…

Alberto: Yo recuerdo uno de Los Nixon en Madrid que estuvo genial.

Rafa: Oasis en el FIB.

Jess: Interpol.

Si os proponen un concierto en una sala grande o una pequeña, ¿qué preferiríais?

Jess: No sabríamos que elegir, las disfrutamos todas. En salas como las de hoy tienes a la gente super pegada, un calor genial y los escenarios grandes te dan esa emoción de sentirte ahí arriba, ese sentimiento.

Alberto: Más que la sala, cuenta llevar un buen equipo.

Rafa: En las pequeñas ves a la gente cantar las canciones, los grandes es un poco más frío y que estén llenas!

¿Sois supersticiones o tenéis manías a la hora de tocar? Porque sé que antes Jess no paraba de masticar chicle mientras tocaba.

Jess: Me lo ha dicho mucha gente pero ya no lo hago, me vi en un vídeo de la Sala Sol y dije nunca más. Masticaba chicle para no poner caras mientras tocaba. Es como cuando sales con gafas de sol, que no es por ser chulo, pero es como que te crea una barrera… se lo vi a uno de los componentes de Bloc Party y empecé a hacerlo. Otra manía es que nunca toco con la púa que he usado en la prueba de sonido. Me guardo esa por si hay una emergencia y la nueva en el bolsillo pequeño.

Alberto: Yo creo que no tengo, bueno me meto un poco con Jaime, mi mano derecha con las guitarras.

Rafa: Si tengo manías pero no para tocar, como poner el volumen de las cosas en números pares.

 

Para terminar, ¿qué es la música para vosotros?

Alberto: Es lo que nos diferencia del resto de los animales (risas).

Rafa: Es la parte indivisible de nuestras vidas, no la concebimos sin música.

 

Os dejo la info de los próximos conciertos y festivales de este prometedor grupo y, ¡Viva Suecia!

14/04. San San Festival (Benicassim)

20/04. Fiesta de la Primavera (Teatro Circo de Murcia)

28/04. Ocho y Medio Club (Madrid)

13/05. Festival en Órbita (Granada)

19/05. Interestelar Sevilla (Sevilla)

20/05. Alicante Spring Festival (Alicante)

16/06. Festival de los Sentidos (La Roda – Albacete)

30/06. Fardelej Festival (Arnedo – La Rioja)

07/07. Mad Cool (Madrid)

01/08. Arenal Sound (Burriana – Castellón)

22/09. Granada Sound (Granada)

¡Hoy nos entrevistan a nosotros!

¡Esta vez nos han entrevistado a nosotros!

El martes pasado fui entrevistada en el programa de Radio NovaondaEntre donceliano raruno y un café. Novaonda es una emisora dependiente de la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Albacete. Se trata de un medio de comunicación abierto a los jóvenes, y la verdad es que con sus preguntas ¡nos han hecho replantearnos muchas cosas!

Cómo surgió Kontagiarte, Qué es la musicología, Cómo surgió mi pasión por la música, El papel esencial de mis padres, Qué es la música para mi, charlamos de música y política, etc etc… !!! Me lo pasé genial :) Y os dejo mis 3 canciones.

¡Espero que os guste y me conozcáis un poquito más! ;) 

PD: Estábamos tomando un rico café.

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